EXPOSICIONES DE ARTE
1. DEL CAPRICHO AL DISPARATE: GOYA Y DALÍ
En el capricho el sueño de la razón produce monstruos, alude a ese mundo irracional, que todos tenemos en el interior.
Posiblemente estas coincidencias con el surrealismo del siglo XX, llevaron a Dalí a integrar, en perfecta armonía, su universo con las escenas de los Caprichos goyescos, llevándolos al Disparate daliniano.
La técnica de los caprichos
Los caprichos son grabados calcográficos, su técnica consiste en incidir, o corroer sobre una plancha de cobre, por medios físicos o químicos, con el fin de que las incisiones cubiertas de tinta mediante la estampación en el tórculo, impriman imágenes en el papel, pudiendo repetirse esta operación un elevado número de veces.
Para este tipo de grabado, además de las ideas o mensajes que se quiere transmitir, se necesita un diestro dibujante, y un hábil técnico impresor. La técnica de grabado de Los Caprichos es una mescla de aguafuerte y aguatinta, lo que proporciona a las estampas un carácter pictórico y no solamente lineal.
Los Caprichos tienen una deuda con la literatura. Sus temáticas, parodias de genero épico, églogas pastoriles y sátiras, y una estructura que inicia con el retrato del autor y continua con una serie de tópicos, sin ilación clara ni nexo central, es tradicional en las sátiras literarias.
Del Capricho al Disparate, fue el camino recorrido por Goya para expresar el horror y la sinrazón humana. Dalí realiza una impresionante síntesis goyesca uniendo capricho y disparate, pero eso sí, despojando al capricho de toda crítica social para crear una imagen puramente surrealista.
Dalí, transformando en surrealistas los Caprichos no hace otra cosa que convertirlos en Disparates, operación que Goya habría realizado previamente al construir sus Disparates a partir dela acumulación de elementos heredados de su repertorio gráfico, dejándolos desprovistos de su sentido historial al igual que Dalí hace con sus caprichos.
La intervención de Dalí no puede entenderse sin revisar la obra de los Disparates de Goya, de la cual extrae los recursos y elementos que junto con los propios se integran en las escenas de los Caprichos transformándoles en disparates.
De todos los grabados goyescos, los veintidós que componen los disparates, han sido, sin duda, los que han despertado constante interés por su alegoría sombría y enigmática, espejo de los pecados, alberge de realismo mágico, cuna del expresionismo. En ella destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y del sexo y la crítica del poder establecido; las estampas ofrecen un mundo imaginativo relacionado con la noche, el carnaval, y lo grotesco.
Dalí presenta sincrónicamente capricho y disparate en cada lamina, la crítica social del Capricho integrada en el mundo surreal del sueño de la razón, del disparate goyesco-daliniano.
LOS CAPRICHOS DE GOYA
De contenido satírico e irreverente, la serie de grabados Los Caprichos es una de las creaciones más originales de Goya: una forma de denuncia, un instrumento pedagógico y especialmente un retrato de la España del siglo XVIII a partir de criaturas siniestras que denuncian un universo sórdido, solapado bajo el velo de la frivolidad cortesano, y deformado por la imaginación de un pueblo temeroso.
Goya inicio esta serie en 1793, época en la que el grabado fue el medio de comunicación visual más importante, luego de la imprenta. Desde la sátira, combatió los vicios y resaltó los ridículos, como absurdos de la conducta humana. Su estilo picante dio lugar a la risa, pero también a la desaprobación y al desprecio; el propósito de la sátira fue la corrección de los acusados.
BIOGRAFIA DE LOS AUTORES
DALÍ:
Nació en Figueras-España, en el año de 1904, fue uno de los máximos representantes del surrealismo, experto dibujante, incursiono en las artes plásticas y visuales, pintura, escultura, grabado, fotografía, cine, teatro, así como la arquitectura, literatura, diseño y moda. Megalómano y narcisista, es el prototipo de artista exhibicionista y publicitario. Su excelencia académica en el arte, convierten a Dalí en un referente obligado del arte contemporáneo. Dalí pinto sus obras en la época de 1929 a 1939, haciendo uso del método paranoico critico inventado por el mismo, comprendía varias formas de asociación irracional y utilizaba en especial imágenes que variaban según la perspectiva del espectador. Es un método de recreación de las imágenes siguiendo la lógica de las asociaciones obsesivas a través de las cuales las formas alcanzan una significación polivalente, sobre la base de las propias obsesiones y deseos del artista. Utiliza las técnicas del realismo ilusionista convencional para provocar el asombro del espectador a través de visiones insólitas e inquietantes, que en muchas ocasiones aluden a la sexualidad. El 23 de enero de 1989 murió y fue enterrado en el museo de Figueras.
GOYA:
Pintor, retratista y grabador, su arte anuncia el inicio de la pintura contemporánea. Es considerado uno de los precursores de las vanguardias de la pintura del siglo XX, entre ellas el surrealismo. Nace el 30 de marzo de 1746 en la provincia de Zaragoza-España. En 1828 muere un 16 de abril en Burdeos.
OBRAS:
COLOREANDO SIN TRANSFORMACION:
Un sueño de la razón produce monstruos.
Un hombre se encuentra sentado con su cabeza en la mesa tomándosela con las manos, el fondo es de color gris casi negro con diversos monstruos a su alrededor que lo atormentan, predomina el rojo en la vestimenta y amarillo con negro para los monstruos.
Los incas peludos del atardecer.
Una pareja, el hombre es bastante mayor con cabellera larga y rubia casi calvo, la mujer es algo mas joven pero robusta, su cabellera es larga y rubia, ambos están sobre una escoba con los pelos hacia arriba, de estos sale un ave, todo esto sobre un paisaje gris y blanco con algo de negro, dan la impresión de que se están elevando hacia el cielo.
TRANSFORMACION DE SENTIDO
No es verdad a mí con esas, no…
Una mujer con sus dos hijos atemorizados al ver a un hombre que se les acerca, este está de pie con una túnica rosa, de la espalda del mismo le sale la mitad de un rostro horrible, la mujer sonríe y está sentada sosteniendo a sus dos hijos, el fondo es negro.
2. EXPOSICION DE PINTURA Y ESCULTURA DE MILTON BARRAGAN
Ideología
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Al ser esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V-), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos.
Las expresiones "arte moderno" y "arte contemporáneo" se utilizan muy a menudo de forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía especializada y el entorno institucional (museos y universidades);[4] mientras que en otras ocasiones, en los mismos ámbitos, se utilizan en oposición, reservando para el "arte moderno" un periodo indefinido, que puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta distintos momentos del siglo XX. No hay consenso para determinar si es el "arte moderno" o el "arte contemporáneo" el que ejemplifican las vanguardias; ni tampoco para determinar si esa diferenciación debe aplicarse a alguna de las sucesivas generaciones de vanguardias: bien las que comienzan antes de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y se desarrollan en el periodo de entreguerras (1918-1939), o bien las que surgen después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o incluso las "transvanguardias" de finales del siglo XX, cuando se acuñó el concepto de lo "postmoderno", que para algunos autores pondría fin al "arte moderno" en sí.
Únicamente si se entiende el concepto de arte moderno no como cronológico, sino como estético (de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud), pueden explicarse ciertas paradojas: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace "arte moderno", mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí; calificar como "modernos" a Velázquez (muerto en 1660), a Rembrandt (muerto en 1669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha convertido prácticamente en un tópico.
El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había convertido esta función artística, hasta entonces esencial (pintores de corte), en algo accesorio, cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente.
BIOGRAFIA
Milton Barragán nació en Chimborazo en 1934. En 1958 se gradúa de arquitecto en la Universidad Central del Ecuador. En 1961 viaja a Italia y Roma para ampliar sus estudios de Arquitectura. Además, fue Subdecano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central. Desde 1998 hasta 1992, fue presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país. Lo que más interesa de su obra es el entrase lleno en el nuevo realismo o neodadaismo actual y que emplease unos materiales muy actuales, pero conservando al mismo tiempo un recurso de serenidad y armonías helénicas. Y que dentro de una corriente vigente hoy, su obra, tiene suficiente individualidad para no vincularlas a propuestas de ningún otro escultor.
Impresionantes esculturas de madera, en donde la huella del tiempo se constata en una serie de vocación de símbolos que transgreden sus límites habituales. En efecto, el tiempo y la experiencia humana, los sentimientos que ella se potencia y el ministerio que es dan organicidad y permanencia.
OBRAS
En la lluvia
Podemos observar en esta obra escultórica realizada en metal, a un congragación de personas cubriéndose de la lluvia con sus paraguas, estos están muy unidos y de diferentes tamaños, las formas son muy realistas y muy bien representadas. Fue realizada en 1984.
Máquina del tiempo
En esta obra esculpida en madera, podemos observar, como su nombre lo indica a una especie de máquina que por sus rasgos y detalles dan a conocer o explican sobre el tiempo y el espacio. Las figuras están muy bien representadas y es de gran tamaño.
El ensayo
Aquí podemos observar a un grupo de personas ensayando para algún evento, algunos están de diferentes posiciones, de diferentes tamaños, algunos ordenando a las personas (poniendo orden), otros bailando, una escultura muy bien diseñada, construida con metal de color negro en el año de 1980.
3. EXPOSICION DE ANDRES AGUIRRE (PINTURA Y ESCULTURA)
“ME GUSTA VER LAS ESPIRALES”
Biografía
Andrés Aguirre se graduó de arquitecto en la Pontificia Universidad Católica de Quito. Ha realizado dos muestras colectivas a partir de 2004, en fotografía, pintura y grabado en madera.
Desde 2001 viene realizando las obras artísticas que se presentan en esta su primera muestra individual.
OBRAS
Paisaje ralentizado
Un cuadro en donde podemos observar una especia de remolino en un campo abierto, el efecto que el artista le da a la obra es muy realista y los colores empleados son muy llamativos y suaves. Esta realizada en óleo sobre tablero.
Mar
Esta obra realizada en óleo sobre lienzo sobre tablero, aquí podemos identificar al mar, pero una característica muy importante que denota, es que las olas están formadas por siluetas de cuerpos de mujeres, los colores son vivos, algunos suaves, otro fuertes, es muy realista y representativo, sin olvidar un vórtice o espiral en la parte superior derecha que podría representar el sol.
Mujer roja
En esta escultura, tallada en madera, podemos observar la silueta de una mujer, la cabeza esta hacia abajo como si estuviera pensando en algo muy importante, los acabados son bien terminados y la obra tiene mucho realismo.
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